http://pik.org.ua/_site/_pic/logo.gifhttp://pik.org.uahttp://www.pik.org.ua/Политика Информация Культураhttp://pik.org.ua/news/2008/11/29/226105.htmАртSat, 29 Nov 2008 11:24:00 +0200«ПіК України» предлагает присоединится к прекрасному и не очень в столичных галереях, которые как раз приготовили несколько неплохих экспозиций. Если вечером на выходных в основном у всех все решено, то день – время нерешительности и ничегонеделанья. Его можно провести праздно шатаясь по квартире, праздно попивая кофе в одной из немногочисленных киевских кофеен. И, все же, сколь бы ни были приятны все вышеперечисленные занятия, предлагаем альтернативу – присоединится к прекрасному и не очень в столичных галереях, которые как раз приготовили несколько неплохих экспозиций. Галерея Bottega: Персональная выставка. Макс Витык (живопись)21.11 – 04.12ул. Михайловская, 22бПн.-Пт. 10.00-20.00Сб.-Вс. 11.00-18.00Ретроспектива монументальных полотен киевского художника, представляющих два периода его творчества: циклы «Хьюстонский» и «Украинский». Обещано свежее мяско – картины, которых украинский зритель еще не имел возможности видеть. Ходить лучше одиноко либо с другом-скептиком-эстетом: или вместе поязвите, или вместе полюбуетесь.Макс Витык. фото: bottega-galleryфото: bottega-galleryфото: bottega-galleryАрт-центр «Я Галерея»: Николай Маценко. «Культура» (живопись)26.11 – 25.12 ул. Волоская, 55/5710.00 до 20.00 Без выходныхНиколай Маценко – активист художественной группы «Нацпром», любитель китча и стёба – в этот раз попытался выяснить, что же такое культура в контексте цивилизации. Это стоило ему долгих бессонных ночей исследований и творческих метаний. Результат этих метаний доступен каждому, без выходных вплоть до 25-го декабря. Картинки – веселые, простенькие, поэтому выставку лучше смотреть с толпой друзей.фото: yagalleryфото: yagalleryфото: yagalleryГалерея «Триптих»: Александр Животков. «Выставка одной картины» (живопись)27.11-10.12Андреевский спуск, 34Для любителей глубокого анализа и основательного подхода: все о картине «Анна», все к картине «Анна», все для картины «Анна» и сама картина «Анна» киевлянина Животкова. Ходить стоит тем, кто думает, что рисовать – это легко. Тем, кто так не думает, ходить тоже можно. Цветовая гамма выставки – краски земли и асфальтовых дорожек, так что данная экспозиция не повредит даже легко возбудимым особам.фото: галерея «Триптих» фото: галерея «Триптих»Галерея Kiev. Fine Art: Кирилл Проценко. «Выжженная реальность» (выжигание)28.11 – 28.12ул.Большая Житомирская,1213:00 – 19:00Пн. – выходнойПроценко снова взялся за огонь, продолжая наив и инфантильность своих предыдущих проектов. Правда, в этот раз Кирилл решил разукрасить свои картинки, соединив их с живописью. Тут же можно посмотреть видео-арт «IRRITANTS» (в соавторстве с Ильей Чичканом). Выставку лучше смотреть с девушкой или парнем, дабы выжженная реальность не казалась такой уж печальной. А потом, после просмотра, можно будет пройтись по Пейзажной аллее.фото: fine artфото: fine artфото: fine artКроме того, не забывайте о прекрасном Чюрленисе в Национальном художественном музее, фарфоровом рае испанца Хайме Айоне и эмо-деток проекта SOSкa в стразово-холодном великолепии PinchukArtCentre.Анастасия Алексеева, «ПіК України»http://pik.org.ua/news/2008/11/27/225963.htmАртThu, 27 Nov 2008 14:40:00 +0200В культурной жизни Киева событие: в Национальном художественном музее – выставка работ литовского художника Чюрлениса.Это первая полноценная выставка литовского художника в Киеве. Припоминается, что в 2005 году Национальный художественный уже выставлял Чюрлениса, правда, то были факсимильные копии его работ. Теперь же киевляне могут получить полное эстетическое удовольствие от творчества литовца: в стенах представлены оригиналы его графики и живописи. Президент Литвы Валдас Адамкус на открытии выставки.Выставку уже посетила омбудсмен Нина Карпачева.В таком случае, Чюрлениса действительно привезли в Киев впервые за почти сто лет: ведь предыдущая его выставка проходила тут в 1910 году. Так сложилось, что Микалоюс Константинас Чюрленис стал внутренним, локальным латвийским чудом. Его почти не знают в мире, но это не уменьшает его значения и гениальности. Композитор и художник Чюрленис (1875-1910) прожил короткую жизнь, за которую не успел влиться в европейский художественный процесс, не успел примкнуть к течениям, группам и прочее. Микалоюс Чюрленис То, что он рисовал было близко к мистицизму, символизму, абстрактной живописи. И все же, Чюрлениса можно отнести к тем художникам, которые творят не теорию, но свою собственную мифологию. Он не повлиял на развитие европейской живописи именно в силу того, что никогда не стремился к революционности, провозглашению манифестов и ломке традиций, фактически не участвовал в выставочной жизни. Его гораздо больше интересовало создание собственных картин, без оглядки на теории.Музыка и живопись Чюрлениса – это некий единый мир, населенный определенными красками, настроениями, духами и существами. В нем существует своя внутренняя история, которой он живет и дышит. Все это сочетается с безупречной техникой, тонкой детализацией в одном случае и импрессионистскими цветовыми пятнами – в другом. Игра с манерами исполнения, техниками – еще одна особенность творчества литовского мастера.Его «Тревога» или «Лесной шум» – фантастический пример передачи настроения через цвет, неясные пятна смазанной действительности.М.К. Чюрленис, «Лесной шум», 1904.И тут же – тонкость линий, вычурные детали нежнейших «Ангелов (Рай)» или строгая устремленность «Города». А вот – искусная, филигранная, выразительная графика: замки, короли и мосты. Но во всех этих манерах исполнения все равно узнаваем мастер, его мир, его настроения и его мифология.М.К. Чюрленис, «Город», 1908.М.К. Чюрленис, «Жертва», 1908.М.К. Чюрленис, «Короли», 1908.М.К. Чюрленис, виньетка «Субботнего вечера», 1909.Рядом с живописью и графикой Микалоюса Чюрлениса в Художественном музее выставлены работы его современников: Адомаса Варнаса, Пятраса Калпокаса, Йонаса Шилейки, Каетонаса Склерюса, Юстинаса Веножинскиса, Мстиславаса Добужинскиса, Антанаса Жмуйдзинавичюса. В большинстве своем, они похожи между собой, передают дух эпохи, подчеркивают влияние определенных тенденций, существовавших в то время в Европе. Они фантастически далеки от Чюрлениса, их миры не пересекаются. Импрессия реального мира и мистицизм мира ирреального существуют в разных плоскостях. И оригинальность Чюрлениса – именно в ирреальности его видений, в их сходстве со сновидениями, в их сказочности.Пятрас Калпокас, «Автопортрет», 1926.Пятрас Калпокас, «Лунная ночь в Тиволе», 1927.Пятрас Калпокас, «Заколдованный город», 1912.Йонас Шилейка, «Житель опушки», 1926.Каетонас Склерюс, «Портрет жены художника», 1926.Каетонас Склерюс, «Венеция», 1929.Мстиславас Добужинскис, «Каунас. Старые дома», 1931.На открытии выставки 21 ноября присутствовал Президент Литовской Республики Валдас Адамкус, который сказал, что везде, где бы он не представлял Чюрлениса, он слышал одно и то же. Слова о том, что Чюрленис – самая большая тайна мира, о которой никто не знал, гениальный мастер, который оставался в тени до недавнего времени. Это правда. Но теперь мы имеем возможность приобщиться к этой тайне, к картинам, забытым современниками, но знаменитым сейчас.Выставка «М. К. Чюрленис и современники» продлится до 1 февраля 2009 года.фото: Саша Еремеев / ПіКАнастасия Алексеева, «ПіК України»http://pik.org.ua/news/2008/11/19/225338.htmАртWed, 19 Nov 2008 14:25:00 +0200Проект харьковской группы SOSкa «Мечтатели» в PinchukArtCentre оказался претенциозным гимном розовой пустоте.С 14 нояборя по 14 декабря в Project Room в киевском PinchukArtCentre экспонируется проект харьковской группы SOSкa (Николай Ридный, Анна Кривенцова, Сергей Попов) «Мечтатели». Группа существует с 2005 года, поэтому хорошо известна киевской и не только публике своим фото- и видео-артом. Нельзя сказать, что SOSка сразу и всем полюбилась, но что-то эдакое в работах художников все же было… честность что ли. Свое искусство художники позиционируют как социальное и причисляют себя к харьковской школе социальной фотографии. Главный метод SOSки – социальная провокация, как способ выявления проблем и болезней постсоветского общества.Куратор PinchukArtCentre Александр Соловьев.Вся экспозиция, выставленная в Project Room, – это 5 фотографий, видео-арт и витрина с документацией о том, «как мы все это делали». Героями проекта «Мечтатели» стали подростки-эмо. На фотографиях они зависли в воздухе на фоне неба, а на видео уже выкрикивают некие лозунги-слоганы.Вот так орущие эмо раскрывают тему «Мечтателей». Да, подбрасывать эмо на батуте в небо – весело и прикольно: яркие и пестрые они выразительно смотрятся на фоне серого неба. Вот только это довольно бессмысленно. Эмо летают, корчатся на видео, орут, а эффекта – никакого: ни провокации, ни адекватной иллюстрации проблемы социализации в постсоветском пространстве, которую, кстати, пытались раскрыть художники. Вместо этого – пустота. И пустые герои, представители мейнстримной, опопсевшей субкультуры. Их поведение и тип мышления вряд ли являются продуктом пережитой нашим обществом советской реальности. Скорее это следствие новой, рекламной, абсолютно капиталистической глобальной эпохи.Фото со съемок проекта.Эмо на батуте. Главное - не уронить.Полет в небе - прыжок над батутом.Пустота «Мечтателей» не может быть заполнена ничем – ни талантом куратора Александра Соловьева, ни умным и глубоким предисловием главного редактора московского «Художественного журнала» Виктора Мизиано. Вообще, несоответствие идеи ее исполнению - поразительно. Все это выглядит так, будто первокласснику дали слишком сложное задание, которое он не понял, но выполнил, как мог. Но здесь печально скорее не то, что молодые художники не смогли вытянуть уровень, а то, что они выдали мертвый, бледный, серый, неинтересный продукт, который не цепляет зрителя. Это – не молодость, а ее подделка: цветная, вялая и нежизнеспособная. Молодому художнику ведь многое можно простить – и чрезмерность, и невыдержанность, и где-то опускание планки, но простить это можно при наличии искры, свежести, вспышки. В предыдущих проектах харьковчан все это было, в «Мечтателях» – потерялось.Между прочим, на открытии выставки группа SOSкa так и не появилась. Стажировка на Kultur Kontakt в Австрии – что ж тут поделаешь, хотя, на деле, это каких-то 3-4 часа лету. Представляли выставку куратор Александр Соловьев и арт-директор PinchukArtCentre Питер Дорошенко. Честно говоря, могли бы и прилететь – выставки молодых художников не так часты, а тем более в таких престижных арт-центрах.Арт-директор PinchukArtCentre Питер Дорошенко.фото: Саша Еремеев / ПіКАнастасия Алексеева, «ПіК України»http://pik.org.ua/news/2008/11/17/225115.htmАртMon, 17 Nov 2008 13:30:00 +0200В международном эксперименте «Арт-проект людей и воробьев» приняли участие Юрий Хусточка, Росава, Любко Дереш, Антон Фридлянд, Ирена Карпа, Вася Фролова, Ирина Мерлени, а также 54 человека из США, Японии, Франции, Италии, Португалии, Грузии, Африки, Польши, Ирана, Швеции, Великобритании, Бразилии.В основе проекта Саши Шаги и группа Garage Gang лежит их убеждение, что все несбывшиеся мечты превращаются в воробьев. Сначала появилась литературная фантазия, которую проиллюстрировала художница Катя Думкаптаха. Затем художникам и иллюстраторам со всего мира было предложено изобразить свои мечты-воробьи.На предложение откликнулись не только любители, но и профессиональные художники, и даже писатели: известный иллюстратор Бенуа Гийом из Франции, американская писательница Триша Уорден, итальянец Косимо Пьедескальци, который после своей книги о сицилийской мафии решил, что такая тема подойдет и для воробьев.Через год после старта проекта, 14 ноября в киевской галерее ХудГраф открылась выставка созданных работ.Большинство работ на стенах - копии. Их авторы живут за границей и в эксперименте приняли участие с помощью интернетаИспанец Лучано Суарез лично привез свою картинуЛучано изобразил самого себя в 6-летнем возрасте, переживающего о том, сбудутся ли его мечтыПо залу был рассыпан корм и развешены кормушки с хлебомКое-кому хлеб понравился больше самой выставкиУчастник эксперимента Любко Дереш изображает нарисованного им воробьяПопулярность мешала Дерешу передвигаться по галерее: ему не давали прохода даже в проходеИ в зале хвост...Росава оценивает работы "конкурентов"Любко Дереш с любопытством наблюдает за РосавойЮрий Хусточка"Молочные братья" Ваня и Вася. Или Вася и Ваня?Открывая выставку, Саша Шаги признался, что сам не до конца понял, что сделал Заявление Саши повеселило собравшихся. Во втором ряду первый слева: Игорь ДидковскийВ арт-буке гости могли нарисовать собственных воробьевЧто они и бросились делатьВоробышек пришел посмотреть на людейКрасный петушок - лучший друг воробьевВсе картины с выставки и видео можно посмотреть на сайте по адресу:фото: «ПіК України», Николай СтепанецАртем Горячкин, «ПіК України»http://pik.org.ua/news/2008/11/13/224960.htmАртThu, 13 Nov 2008 17:35:00 +0200Вчера в галерее «Лавра» прошла вечеринка, посвященная Марии Примаченко. 2009ый – год столетнего юбилея художницы хотят превратить в арт-парад.Тут же, на вечеринке, галерея «Лавра», арт-центр Павла Гудимова «Я-Галерея», «Родовод-Галерея» при поддержке Министерства культуры и туризма Украины объявили конкурс арт-проектов «Примаченко и Я». Цель – популяризация творчества Марии Примаченко, его преломление через призму современного искусства и дизайна. В конкурсе могут участвовать проекты довольно разнообразные – принимаются и живопись, и фотография, и уже упомянутый дизайн, и инсталляции, и перформансы.Гудимов представляет конкурс арт-проектов «Примаченко и Я». Проекты принимаются до 1 марта 2009 года. Финалисты получат возможность выставить свои работы в галерее «Лавра», а также финансовую помощь (от Министерства культуры в том числе).Минист культуры Василий Вовкун признался, что о Примаченко готов говорить часами. Впрочем, на вечеринке уже были представлены несколько дизайнерских проектов: календари, шрифты, принты, открытки – все со сказочными зверушками «под Примаченко», правда, менее фееричными, чем у знаменитой примитивистки. Наверное художникам кажется, что если пить чай из чашки с «примаченковской» зверушкой, то можно приблизиться к пониманию ее картин. Рядом с макетиками календарей и принтов для чашек-футболок разместили небольшую экспозицию оригиналов Примаченко. Вот только уж больно небольшая – прямо даже посмотреть не на что. Это при том, что музейные фонды позволяют создать действительно масштабную, полноценную выставку Примаченко.Работ самой Примаченко на вечеринке было катастрофически мало.Возможно, как раз в 2009 году мы и дождемся подобного сюрприза. Хотя, конечно, все равно многие картины художницы были нелегально распроданы в 1990-х годах и сейчас находятся далеко от Украины.В «Лавре» так же были представлены фотографии Юрия Роста – портреты Примаченко и ее односельчан.Известный фотограф Юрий Рост был лично знаком с Марией Примаченко. Сложно назвать целостной экспозицию, подготовленную к вечеринке. В огромном пространстве галереи небольшие работы Примаченко просто терялись, а в окружении банеров конкурса «Примаченко и Я» вообще смотрелись сиротливо и одиноко. Фотовыставку Роста тоже вписали в экспозицию не ахти как гармонично. Порадовал, пожалуй, только завершающий аккорд вечеринки – показ коллекции Оксаны Караванской, сделанной «под Примаченко»: с блузками в виде сказочных львов, оборочками и плиссировкой.Впрочем, само начинание – оглашение года Примаченко, попытка с помощью конкурса вовлечь в диалог молодых художников – вполне похвально, поскольку однозначно способно развернуть арт-процесс в русло поиска идентичности через переосмысление украинской изобразительной традиции. С другой стороны, всегда есть опасность того, что хорошие идеи слишком легко убиваются непрофессиональным подходом и узостью взглядов. В данном случае настораживает государственная поддержка проекта со стороны Министерства культуры – они всякое могут придумать.фото: Евгений КотенкоАнастасия Алексеева, «ПіК України»http://pik.org.ua/news/2008/10/31/224027.htmАртFri, 31 Oct 2008 17:01:00 +0200Со вчерашнего дня Украинский дом заполонили образцы современного украинского искусства – как «актуального», так и не очень. Выставка будет проходить до 8 ноября. Вход – 30 грн. или 10 грн. – льготный.Свои достижения представляют не только отечественные галеристи, но и их коллеги из Германии, Чехии, Италии и Франции. «В этом году на участие в «АРТ-Киеве» подали заявки 350 галерей, из них мы отобрали 53», – сообщил соорганизатор мероприятия искусствовед Александр Титаренко. Кроме «парада галерей» «АРТ-Киев» представляет около десяти авторских спецпроектов и выставку частных коллекций актуального искусства.Конфету за просмотрЧтобы обойти все 53 галереи, нужно набраться терпения и, по меньшей мере, запастись бокалом вина. От многообразия предложенного «товара» – а именно в качестве такового, по умолчанию, выступает искусство на арт-ярмарках – рябит в глазах и замирает сердце. «Галереи на «АРТ-Киеве» представляют и традиционное, и, так называемое, contemporary или актуальное искусство, – рассказывает Александр Титаренко. – Каждое из них интересно по-своему. В дальнейшем мы планируем сделать два «АРТ-Киева»: актуального и традиционного искусства».Александр Соловьев. «Раньше подобные планы казались утопическими, – подхватывает Наталия Заболотная, директор Украинского дома, – потому что три года тому назад украинского актуального искусства хватило бы на один, самый маленький, выставочный зал, два года тому назад – на два, год назад – на холл первого этажа. Только сейчас мы можем говорить, что материала достаточно. Хотя все еще под вопросом».«Модерное» и «постмодерное» искусство теперь мирно сосуществуют– в отведенных для этого уютных «клеточках» на третьем этаже. Галерист Павло Гудимов знакомит министра культуры Василия Вовкуна с экспозицией «Я-Галерея».Чтобы привлечь к себе гостей, галеристы прибегают к различным способам. В основном вас ждут красочные открытки, кое-где предлагают сладости, а вот на стенде галереи Антона Мухарского Antin’s Collections вам почитает сказку – сам Джек Лондон (то есть актер в его образе).На «АРТ-Киев» Мухарский привез коллекцию Владислава Шеришевского – художника, известного своим заигрыванием «под Ван Гога»: красочными резкими мазками а-ля творец «Подсолнухов» Шеришевский пишет своеобразные пародии на Рембранта и Ворхола. «Этот художник отказывается от хрестоматийности когда-то созданных образов, – рассказывает Антон Мухарский, – он ярок и смел. И этим мне очень импонирует».Скромность и жир украинского contemporary artС Ван Гогом можно встретиться не только у Мухарского. Тени большого голландца прошлись и по другой части экспозиции – выставке актуального искусства из частных коллекций. В частности, проявившись в серии Василия Цаголова из коллекции Игоря Воронова. «Портрет Голефильда с перевязанным ухом» – реинкарнация известного «Автопортрета» Ван Гога.На выставке из частных коллекций – произведения художников, чьи имена уже претендуют на звание украинских классиков. Их уже знают за рубежом, покупают в мировые коллекции. Ими пополняются запасники в PinchukArtCentre. Как оказывается, таких немного. По словам куратора PinchukArtCentre искусствоведа Александра Соловьева, таковых – около 20. Среди них: Илья Чичкан, Александр Ройтбуд, Олег Тистол, Арсен Савадов, Константин Реунов, Илья Исупов, Александр Гнилицкий. Александр Титаренко.«Сегодня этих художников хочет получить каждая галерея, – рассказывает владелец галереи «Коллекция» Олег Байшев, – не говоря уже об Олеге Голосие – он же уже, так сказать, не живой».Выставка из частных собраний – это своего рода парк аттракционов на ярмарке. Сюда приходят смотреть, а не покупать. Как говорит Александр Соловьев: «Сегодня все хорошо, лишь бы не скучно». Только не хватает каких-либо симпатичных инсталляций. «Место не пригодно», – успокаивает галерист Олег Байшев. Его галерея «Коллекция» представляет спецпроект – «Скромность и жир» Александра Гнилицкого, художника, который постоянно живет в Мюнхене. Название проекта – не иначе как попытка перевести на современный манер бальзаковское «блеск и нищету».На стенах – изображение бытовых предметов: знакомого всем кипятильника в трехлитровой банке и покоцанной папиросы. Это – скромность. Жир, очевидно, – это те, кто покупает работы Гнилицкого, за которыми на украинском арт-рынке охотятся уже давно. «АРТ-Киев» – это подходящий случай узнать: кто еще популярен, а чьи имена стоит запомнить на будущее. Или просто посмотреть и выдвинуть свою теорию о том, что такое современное искусство. Не секрет, что сегодня такого определения не существует. Разве такое: искусство – это то, что в галереях. Точка.Экспозиция галереи Ра.Экспозиция галереи Ра.Экспозиция галереи Ра.Работа Александра Ройтбуда.Работа Александра Ройтбуда.фото: Саша Еремеев / ПіК. Ольга Куровец, «ПіК України»http://pik.org.ua/news/2008/10/18/223175.htmАртSat, 18 Oct 2008 16:11:00 +0300Вчера, 16 октября, в галерее «Лавра» состоялось открытие амбициозного арт-проекта «Лаборатория современного искусства «Бурса». Это первый камень в проекте создания высшего учебного заведения в отрасли контемпорари арт в Украине.Это детище Киевской муниципальной галереи «Лавра» и фестиваля современного искусства «ГОГОЛЬFEST». На начальном этапе оно будет являть собой ряд акций образовательного характера, пока методом «естественного отбора» не будет сформирована полноценная образовательная организация. «Такого опыта в Украине еще не было. Нашей главной целью является формирование полидисциплинарной студии, лишенной вакуума творческой инициативы. Сегодня был сделан пилот, но правила, по которым «Бурса» будет функционировать сложно артикулировать. Преднамеренно формировать структуру организации мы не планируем, чтобы не сделать ее рабой наших представлений о том, какой она должна быть», – говорит Влад Троицкий, один из организаторов «ГОГОЛЬFESTа», а теперь уже и нового образовательного арт-пространства. Инсталяция Голова Гоголя, которая ринимала участие в перформансе в рамках открытия «Бурсы». На обсуждении за круглым столом на тему «Проблема образования в современном искусстве» в который раз была озвучена проблема нехватки профессионалов в области современного актуального искусства. Дискуссия проходила при участии представителей украинского арт-процеса: кураторов, галеристов, художников, критиков. «Экспертов в сфере современного визуального искусства в Украине можно перечислить по пальцам. На сегодняшний день тенденциозной является универсальность и мультидисциплинарность специалистов культуры, которая не убеждает меня в их профессионализме. Но формирование интеллектуального продукта в сфере образования должно начинаться с оценки реального опыта», - отметил Виктор Хаматов, директор ЦСИ «Совиарт». И в самом деле, подавляющее большинство деятелей украинской арт-сцены имеют в своем творческом архиве опыт работы со всеми новыми формами искусства, но трудно назвать художника, который специализировался бы исключительно, например, на инсталляции, перформансе или медиа. Безусловно, если вести речь о реальном украинском опыте, то созданию образовательных институций в области визуального искусства в Украине уже мало место. Стоит вспомнить хотя бы «Артшколу» Ассоциации арт-галерей Украины, основанную в 2003 году. На подходе «Школа экспертов», созданию которой способствовали целый ряд частных и государственных инициатив. Существуют также отраслевые школы, которые функционируют в виде ворк-шопов и мастер–классов: «Школа хеппенинга и перформанса Бахтовых» в г. Ольвия, под Николаевом; специализированная школа фотографии «Киевфотоком»; школа фотографии Виктора Марущенко и так далее. Однако, уникальность «Бурсы» скорее в подходе к ее созданию, как цельного культурного явления, определенной территории искусства. Политика такой структуры предусматривает чувственность ко всем участникам и процессам, которые ее формируют. «С одной стороны, мы, безусловно, ставим перед собой задачу сегментировать проекты для галереи, а с другой – максимально воспринимать новые идеи, предложения и сообщество, формирующее институцию», - заявила Алиса Ложкина, куратор галереи «Лавра». Лучшим участникам проекта, который будет на начальном этапе функционировать как подготовительная площадка к «ГОГОЛЬFEST» будет предоставлена возможность презентовать свои проекты на Бурсаshow – спецпроекте фестиваля.Уверенное намерение интегрироваться в пространство украинского контемпорари арт организаторы довели рядом акций: open air воркшопом «Функция», который осваивал привычное галерейное и публичное пространство, утверждая, что наступило время искусству завоевывать потенциальные выставочные территории. К участию в проекте также были привлечены художники-графитисты, которые разрисовали один из дворов, прилегающих к галерее, который, очевидно, и в дальнейшем будет служить арт-территорией. Само галерейное пространство отведено под мультимедийные и видео инсталляции. Акция «Функция»: уличные граффити в исполнении группы «Інтересні казки».Актуальность территории искусства, которая станет не только лабораторией для рождения новых художественных явлений, но и лакмусовой бумажкой, которая в конечном итоге определит феномен украинского искусства, кажется на сегодня очевидной.Акция «Функция»: уличные граффити в исполнении группы «Інтересні казки».фото: галерея «Лавра»Ирина Марченко, специально для «ПіК України»http://pik.org.ua/news/2008/10/14/222749.htmАртTue, 14 Oct 2008 08:30:00 +0300Важным признаком украинского современного искусства является конфронтация существующих школ и групп, что и обусловило его уникальность.Новейшая история искусства в Украине – это совокупность парадоксов, несовместимых и часто взаимоисключающих явлений, сосуществующих в одной временной плоскости. По-видимому, главным ее отличием является своеобразная стратегия развития, созвучная основным тенденциям эпохи постмодернизма: неопределенность направления развития и непоследовательность происходящих процессов. В чрезвычайно короткий срок украинские художники вынуждены были усвоить опыт, который ранее насильственно сдерживался или же функционировал в достаточно замкнутой среде нонконформистов: художники должны были наверстать художественные формы, не усвоенные в свое время из идеологических соображений. Все это обусловило нелинейность развития художественных тенденций, когда акцент смещался на сам процесс становления искусства. Вне контроля государстваВ целом, нельзя однозначно определить даже источник вдохновения современного искусства Украины. Традиционно его родителями считаются местные нонконформисты, но часто звучат намеки на то, что по форме и подобию их произведения очень напоминают работы близких соседей. В самом деле, в 1970-е гг. состоялась очередная культурная миграция – большинство художников выезжали из Украины в Москву, где, как бы парадоксально это не звучало, чувствовали себя намного безопаснее, реализовывая свои творческие амбиции. Однако следует признать, что работая в сквотах (нелегально занятые помещения. – Ред.) они также формировали и местный, московский культурный контекст. Главной тенденцией периода конца 1980-х – начала 1990-х гг. на территории Украины была многовекторность развития искусства, формировавшегося вне контроля государства. Поэтому ускоренное усвоение опыта, который долгое время насильственно сдерживался и обретался только в творчестве нонконформистов, способствовало развитию всех направлений искусства. Это дает о себе знать и сегодня. «Кривые зеркала». Максим Мамсиков, Наталия Филоненко, Александр Гнилицкий. Видео. 1993 г. Важным признаком всего периода украинского современного искусства является конфронтация всех существующих школ и групп. Изначально это была конфронтация между инновационной и традиционной школами, позже – между неоавангардным и постмодернистским направлениямисейчас – между искусством и общественно-политическими процессами. Все это обусловило уникальность украинского актуального искусства, не имеющего аналогов в мировом культурном опыте. По словам Никиты Кадана, участника группы РЭП («Революционно Экспериментальное Пространство»), художественные группы обретают формы политических партий, ведущих борьбу за свой электорат. Не нужно воспринимать эти слова буквально, но в каждой шутке есть лишь доля шутки.Акция группы РЕП «We will REP you». Киев. 2005 г. Борьба между школами на мифическом арт-рынке является очень жесткой и часто не имеет объективной цели. Арт в Украине сегодня довольно амбициозен и агрессивен: он интересен в той непосредственной форме, в которой существует, – в отличие от несформированного рынка. Вливание средств – государственных и негосударственных – в современное искусство на данном этапе нельзя назвать систематическим. Институт спонсорства сейчас пребывает на этапе формирования, ускорить этот процесс государство могло бы в случае создания такого законодательства, по которому потенциальным спонсорам было бы интересно вкладывать деньги в культуру. Институализация искусства также не спешит за художниками, что побуждает последних наверстывать упущенное своими силами. Как в случае группы «SOSка» из Харькова, Харьковская муниципальная галерея, киевской группы «Тоторо Гарден» (уже прекратившей существование), РЭП. Это все примеры нововременных институалиованных сквотов, экспериментальных объединений-инститов, пытающихся создать оптимальную среду для искусства. В период социальных изменений художники ощущают потребность объединяться в группы. И характерной в этом смысле стала пестрая акция «Простір Спільнот» (23 февраля – 25 марта 2007, Киев, ЦСИ), объединившая художественные группы из разных уголков Украины.Искусство без политики?Нельзя не заметить главного парадокса – государство своим невмешательством корректирует движение современного искусства. Тема политики снова обретает актуальность. В течение 1990-х гг. она исчезает из украинского культурного поля или же используется лишь как материал – привычный и удобный – для освоения новых форм искусства. Это объясняется чрезвычайной усталостью от заполитизированного искусства. В это время появляются одиночные проекты, касающиеся темы политики: типа «Мавзолей для президента» (1993) Игоря Подольчака или же «Крымский проект» (1993) – реакция на очередной конфликт с Россией относительно Украинского Черноморского флота. Но это не было типичным. Теперь традиция обязательной мгновенной реакции художников на социальные и политические проблемы обретает популярность. Юрий Подольчак «Мавзолей для президента» 1994 г. В целом, современный период, при всем разнобое и разноцветности творческих методов, все же имеет одно важное магистральное направление: акционизм, манифестарность художественных поисков и открытость к окружению. Так называемый «язык публичного обращения» не является искусственно сформированным инструментом. Как бы мы не пытались обходить эту тему, но Оранжевая революция в определенном смысле стала катализатором изменения сознания украинцев, а также оказала большую услугу современному искусству: подготовила и приучила зрителя воспринимать актуальное искусство в условиях городской среды. Тут вырисовывается еще одна интересна особенность – целью львиной доли творческих проектов было выделить проблемы искусства. Ведь вопрос роли искусства остро стоял перед украинскими художниками еще начиная со второй половины ХХ ст. Первые из зафиксированных публичных акций можно отнести ко второй половине 1970-х гг. Например, акция «В два счета» круга Леонида Войцехова – очистка зоны парка от атмосферы стихийного рынка.Художественная акция «В два счета». Леонид Войцехов. Одесса. 1978 г. На данном этапе в подавляющем большинстве проектов художники исследуют готовность публики воспринимать современное искусство. Поэтому, часто независимо от реакции, люди становятся участниками этих акций, сами того не подозревая. Такая типичная гиперинтерактивность хорошо просматривается в акции «FAST ART». Тогда посреди сувенирного рынка на крымском пляже участники РЭПа разбили палатку, где предлагали людям купить «минимализм и кубизм со скидкой 50%» или скульптуру за 1 грн. Покупатели делали свой выбор: кто-то выбирал что-либо более традиционное, кто-то торговался за инсталляцию, а кто-то не подходил вообще... Искусство сегодня активно осваивает публичное пространство, что является чрезвычайно позитивной тенденцией, ведь нехватка информации о современном украинском искусстве имеет место и в Украине, а не только за ее пределами. Мы всегда любили и широко употребляли словосочетание «самобытное украинское искусство». Очевидно, сейчас оно постепенно начинает приобретать актуальность именно благодаря творческим группам, каждая из которых заслуживает отдельного разговора.Проект Wireframe. Иван Цюпка. Мультимедийная инсталяция. 2002 г. Проект Wireframe. Иван Цюпка. Мультимедийная инсталяция. 2002 г. «Пачка сигарет». Жанна Кадырова. Скульптура. 2006 г.фото: из архива Александра СоловйоваИрина Марченко, специально для «ПіК України»http://pik.org.ua/news/2008/10/8/222415.htmАртWed, 08 Oct 2008 20:08:00 +0300Работа над грандиозной выставкой длилась три года. «Пикассо и мастера» представляет более 200 полотен испанца и художников, которые его вдохновляли.Выставка открылась сегодня, передает Reuters. Среди художников, экспонирующихся рядом с Пикассо, – великие мастера, которыми восхищался испанец: Тициан, Веласкес, Рембрандт, Гойя. фото: ЕРАфото: ЕРАОрганизаторы выставки потратили три года, чтобы договориться с музеями всего мира предоставить их сокровища для этого шоу. «Это праздник не только Пикассо, великого гения ХХ ст. Он представлен в пантеоне мастеров, это как диалог между ним и его родителями», – объясняет в каталоге к выставке сокуратор Анна Бальдассари.Одним из самых щедрых оказался мадридский музей Прадо, одолживший для выставки знаменитую «Маху обнаженную» («La Maja Desnuda») испанского художника Франсиско Гойя, а также картины Диего Веласкеса и Тициана.фото: ЕРАфото: ЕРАфото: ЕРАЛондонская национальная галерея представила 11 работ, включительно с картиной «Женщина, купающейся в потоке» («A Woman bathing in а Stream») Рембрандта. А Национальная галерея искусств в Вашингтоне прислала шедевры, среди которых «Святой Мартин и нищий» («Saint Martin and the Beggar») Эль Греко.Соответственно поражает стоимость этой выставки. Французские медиа сообщаются, что только транспортные расходы составляют €4 млн ($5,45 млн). Сама выставка стоит €1 млн, такая же сумма потрачена на страхование.Основная часть выставки сосредоточена в Grand Palais, вблизи Елисейских полей. Еще две дополнительные экспозиции размещены в двух других больших парижских музеях.В Лувре, например, находится робота Делакруа «Алжирски женщины» («Femmes d'Alger»), окруженная картинами Пикассо, созданными им под влиянием французского художника. По аналогичному принципу сделана экспозиция в музее Музей д’Орсе, где размещена скандально известная картина Эдуарда Мане «Завтрак на траве» («Le Dejeuner sur l'herbe»).фото: ЕРАфото: ЕРАфото: ЕРАфото: ЕРАВыставка «Пикассо и мастера» продлится до 2 февраля 2009 года.«ПіК України»http://pik.org.ua/news/2008/10/5/221999.htmАртSun, 05 Oct 2008 14:56:00 +0300В PinchukArtCentre действует закон «больше, выше, сильнее». Поскольку владелец – седьмой по влиятельности коллекционер мира, то и экспонаты должны соответствовать.В этот раз в большом совартовском музее Украины показывают самого дорогого живого фотографа мира. По результатам прошлогоднего аукциона Sothebey’s, – это Андреас Гурски (его «99 центов» тогда «завесили» на $3 млн 340 тыс. 456). А для того, чтобы разборчивому зрителю не стало скучно от продолжительного просмотра гигантских фотографий, ему предложили другую атракцию – подборку видеоарта из частной коллекции Джулии Стошек (в личной жизни – девушки фотографа)«Взгляд Бога» сквозь «Фотошоп»Девять из выставленных работ Андреаса Гурски везти издалека не пришлось – они уже принадлежали коллекции PinchukArtCentre. Другие 15 прибыли из частных коллекций Великобритании, Бельгии и Польши. Идея сделать выставку Гурски зрела в голове господина Пинчука, очевидно, уже не один месяц. Оно и ясно – не привезти в Киев самого «дорогого живого фотографа», учитывая нынешний статус коллекционера, выглядело бы даже неприлично. Да и делать это нужно было как можно скорее – а то, гляди, Sothebey’s продаст чьи-то фотографии за большее количество условных единиц. И какая тогда радость?Впрочем, даже и в таком случае выставка Гурски не помешала бы – как образец масштабной творческой активности и широты замысла. Это как в прямом (большие контейнеры с фотополотнами 2х3 м каждое перегоняли среди ночи, – чтобы не создавать пробки), так и в переносном смысле. Работы Гурски выделяются среди работ других фотохудожников (за исключением разве Спенсера Туника, который «выкладывает» обнаженными телами площади и мосты европейских и не только городов) стремления «постичь необъятное», освоить пространство не только географически, но и во времени.Смотрите сами – для того, чтобы создать свои славные «полотна», которые состоят из тысяч людей (или, скажем банок Colla), Гурски может месяцами возвращаться на одно и тоже место: снимать его с разным «составом» людей, чтобы впоследствии наложить изображение и получить самые настоящие портреты человеческих муравейников (бирж, стадионов, лыжных пробегов). «Раньше я просто делал снимок, увеличивал его и наклеивал на плексиглас. А в последние годы я начал использовать «Фотошоп». Я делаю огромное количество снимков, отбираю необходимые, делаю эскиз, по которым специально обученный человек уже делает компьютерную обработку», - рассказал как-то Гурски.Фотограф не ставит перед собой цели точного отображения действительности – которое мы называем «фотографическим». Он скорее конструирует собственную – как «сверхземной» ребенок, который переставляет кусочки пазла, чтобы составить из них красочную мозаику. Гурски смотрит сверху – для этого он использует вертолеты и вышки (именно поэтому для съемок на отдельных территориях, скажем, в Южной Корее фотографу нужно особое разрешение). Именно поэтому его взгляд часто называют «Взглядом Бога». На что немец говорит: «Нет, это не взгляд Бога. Но это и не взгляд отдельного человека, который находится в гуще повседневной жизни. Скорее, это взгляд исследователя, который наблюдает мир на расстоянии, изучает его и пытается понять его конструкцию, логику его развития».Почему едят лукДжулии Стошек письмо-предложение от Пинчука пришло отдельно – как коллекционеру. «Поскольку в частной жизни мы пара, нас чрезвычайно захватила идея организации общей выставки в PinchukArtCentre», - поделилась в одном интервью немка.На сегодняшний день в ее дюссельдорфской коллекции насчитывается 374 произведения. Из них в Киев приехало 18. К счастью организаторов для их перевозки контейнеров не понадобилось – видеоарт занимает меньше места. Среди произведений под условным названием «Разрушай, она сказала» - одноименное произведение Моники Бонвиччи. Это «нарезка» из видео 1970-80-х годов, где главной героиней выступает женщина. Женщина фигурирует и в работах Матильды тер Хейне «Бомба самоубийцы» и «Матильда, Матильда» – в данном случае главная героиня – женщина-самоубийца.Есть еще женщина в тупике – к тому же очень физическом. Трехминутная «Парализованая» художницы Клары Лиден – произведение о борьбе с замкнутым пространством (внешним как внутренним), с которого нет выхода. Разве что его разорвать. Разрушения посвящены произведения «Горит» Райнольда Рейнольдса и Патрика Джолли, «Тени разрушителей» Марка Леки и даже High Performance Аарона Янга – перформансиста на мотоцикле.Но безусловным хитом «Разрушай, она сказала» есть «Лук» Марины Абрамович – той мисткини, которая в 1970-х производила невероятные арт-операции на собственном теле – с целью довести ограниченность телесного опыта. В этот раз обошлось без крови, но со слезами. Абрамович 20 минут ест лук. Этот художественный жест – ответ Марины Абрамович на ежедневную рутину. «Я хочу ничего не хотеть. Я устала решать карьерные вопросы, устала от приступов мигрени, междугородных разговоров по телефону, от плохих новостей. Хочу туда, где меня не будут доставать факсы. Хочу понимать и четко видеть», - говорит художница перед тем, как съесть заветный овощ. Пройдя все три этажа «Рейна на Днепре» посетители PinchukArtCentre должны были бы также понять и четко увидеть (как завещала Абрамович). А если не выходит – вернуться и посмотреть еще раз.Успеть можно до 2 ноября.Фото: Сергей Иллин. Фонд Віктора Пінчука. Ольга Куровец, «ПіК України»http://pik.org.ua/news/2008/9/17/220611.htmАртWed, 17 Sep 2008 12:27:00 +0300Как отметил эссеист Александр Бойченко, «Форум издателей во Львове» отличается от традиционной книжной ярмарки насыщенной литературной программой. А литература, как известно, имеет тенденцию к визуализации.Неотъемлемой частью хорошей книги являются иллюстрации. От картинки на обложке к картинкам внутри. Спектр иллюстрирования, который нам сегодня предлагают издательства, богатый: это графика, коллаж, рисунок, фотография. В этом году «Форум издателей» решил уделить этой теме особое внимание и представил пять арт-выставок. Из них «ПіК України» обратил внимание на три. Это – выставка рисунков Юрия Чарышникова к Старому Завету. Фотовыставка «20-08. Персонажи». И выставка «Ретроспектива украинской графики в именах».Новая графика от Юрия ЧарышниковаИмя украинского художника Юрия Чарышникова, который живет в Нью-Джерси, последние несколько месяцев тесно ассоциируется с одним из лучших изданий в Украине – «Петербургские повести» Николая Гоголя (издательство «Грані-Т»), которое он иллюстрировал.Юрий Чарышнков: «Теперь я работаю над иллюстрациями к поэме Шевченко «Сон».На «Форуме издателей во Львове» Чарышников представил совсем новую серию, которая должна войти в российское издание Библии. «Я начал рисовать этот цикл в этом году. Здесь представлены рисунки ко Второй и Третьей Книгам Царей, но серия еще не завершена. В конечном результате это будут иллюстрации к одному российскому изданию, хотя в продаже вы его не увидите: это будет очень богатое подарочное издание Библии», – объяснил «ПіК України» Юрий Чарышников.Юрий Чарышников. Рисунки ко Второй и Третьей Книгам Царей.Однако, как сознался художник, он уже работает над иллюстрированием поэмы Тараса Шевченко «Сон», которая должна выйти в издательстве «Грані-Т». Можно предвидеть, что издание будет не из дешевых – учитывая ценность работ художника и цену роскошного фолианта «Петербургские повести» (350 грн). Юрий Чарышников. Рисунки ко Второй и Третьей Книгам Царей.Ветхозаветные сюжеты в исполнении Юрия Чарышникова противоречат традиционным представлением о том, какой должна быть визуализация Библии. Здесь нет места византийской иконографии или ренессансной живописи. Разве что лаконичность Средневековья, или лучше сказать – готика. В графических работах Чарышникова чувствуется апокалиптичность: написано точно, строго, пророчески. В унисон этому звучат и цветные рисунки гуашью. Юрий Чарышников. Рисунки ко Второй и Третьей Книгам Царей.Юрий Чарышников. Рисунки ко Второй и Третьей Книгам Царей.Персонажи Хвылевого и ЯновскогоСовсем иной резонанс оставила фотовыставка «20-08. Персонажи». Хотя, на первый взгляд, она как и графика Чарышникова должна была бы произвести апокалиптическое впечатление. Это девять больших фото, – сепия и ч/б – передающие образы литературных героев из произведений Николая Хвылевого, Юрия Яновского, Домонтовича (Виктора Петрова). «Это напоминает фотографический проект Екатерины Рождественской», – обращаюсь к автору идеи Марысе Никитюк. «Вы не поверите, но к началу «Форума» я не знала о таком проекте, – заверяет девушка. – Эта идея у меня возникла раньше. Я очень люблю украинскую литературу 1920-30-х гг. Это очень сильная и даже жесткая проза символистов, футуристов, урбанистического романа». Марыся Никитюк и ее арт-воплощение - Зозе.Девять фото человеческого роста заставляют вспомнить школьную и университетскую программы: «Я(Романтика)», «Місто». Мнимые образы персонажей, которые ходили, жили и дышали в бывшей Украине абсолютно стерлись из памяти. Трагические персонажи, но эта трагичность, на удивление, какая-то позитивная. Может быть потому, что большинство декадентов, обреченных на быструю смерть, получили вечную жизнь. Эдвард Стриха - литературное альтер-эго Костя Буревия. Катерина Бабкина в образе Зоськи из романа «Місто». Вот – Зоська из романа «Місто», олицетворение киевлянки 1920-х гг. ХХ ст. «Она вызывает любовь и ненависть одновременно, и при любых обстоятельствах воспринимается болезненным элементом циклоидного типа. Прирученная белочка без постоянного прикорма обречена на смерть. Шансов выжить у нее мало», – утверждает Марыся Никитюк. Или Доктор Тагабат – один из трех Черного трибунала коммуны из новеллы «Я(Романтика)». Демон Революции без сожаления и совести умерщвляет других, однако, по закону жанра, его конец также неминуем. И наконец бессмертная мистическая Зозе из поэтического цикла «Зозендропия» (Кость Буревий).Зозе из поэтического цикла «Зозендропія» (Кость Буревий).Денис Казван как Доктор Тагабат (новелла «Я(Романтика)»).Девочка с мишкой (Дівчинка з ведмедиком) из одноименного романа Домонтовича.Товарищь Жучок из новеллы Хвылевого «Кіт у чоботях».Кроме визуального эффекта фотовыставка имеет глубокое содержательное наполнение, которое заставляет сравнивать ее с проектами Рождественской. Хотя здесь тоже присутствуют известные культурные персонажи: писатели Екатерина Бабкина, Любко Дереш и пиар-директор «Пінчук Арт-центр» Денис Казван. По словам Никитюк, эту выставку в скором времени увидит Киев. Только тогда возле каждого портрета будет черный телефон, из трубки которого будет звучать исповедь-монолог отдельного героя. «Ретроспектива украинской графики»К сожалению, выставка «Ретроспектива украинской графики» за пределы Львова не собирается. Собранная из коллекций Музея им. Шептицкого и частных лиц она остается локальным явлением. Однако очевидно, что аналогичные художественные работы присутствуют в коллекция других городов Украины. Поэтому ключевой, на наш взгляд, месидж львовской выставки заключается в том, чтобы представить целостную картину украинской книжной графики ХХ ст., которая считается одной из более мощных в мире. Для нас эта картина сегодня разбита на разные имена: более известные – как Василий Кричевский и Георгий Нарбут и менее известные – как Святослав Гординский, Яков Гвиздовский и София Караффа-Корбут.София Караффа-Корбут. «Лісова пісня», 1980-ые.София Караффа-Корбут. «Лісова пісня», 1980-ые.София Караффа-Корбут. За мотивами «Кобзаря» Шевченко, 1964.Яков Гвиздовский. «Жером-ІІ», 1981.Святослав Гординский. Дружеский шарж на Васыля Стефаныка, 1934.Святослав Гординский. Дружеский шарж на Євгения Маланюка, 1934.И если нынешний «Форум издателей во Львове» можно покритиковать за более слабое представление интересных книжных новинок, нежели в прошлом году, то лучше уже похвалить за выход за пределы только букинистической ярмарки.фото: Ольга КуровецНаталя Дмитренко, «ПіК України»http://pik.org.ua/news/2008/9/5/219699.htmАртFri, 05 Sep 2008 16:20:00 +0300В «Украинском доме» открылся Большой антикварный салон. Среди старосветских кресел и ложечек тут выставляют Пикассо и Модильяни. Но... за подлинность этих произведений не отвечает никто.После успеха проектов АРТ-Киев и Большой скульптурный салон «Украинский дом» презентовал киевской публике Большой антикварный салон (полный фотоотчет - тут). В этот раз на трех этажах здания на Европейской площади расположились частные и галерейные коллекции антиквариата. Такой поворот сюжета не удивил арт-сообщество, скорее закрепил в нем мнение о прочности позиций, занятых «Украинским домом» в искусстве. Костянтин Бранкузи. «Дельфины».Если еще недавно на смотрины классиков мирового искусства непременно нужно было ехать за границу, то сегодня такие возможности попадаются и в Украине. Весной – Роден, осенью – Пикассо и Бранкузи – такие козыри один за другим появляются из рукавов отечественных коллекционеров.Пол-Украины за Пикассо«Я ведь Пол-Украины проехала, чтобы увидеть Пикассо, а вы меня не пропустите?!» – возмущается скромно одетая женщина на входе. Охранники даже не пожимают плечами, стоят нерушимо – как стража у Букингемского дворца.На открытие масштабной выставки, происходившее вчера вечером, попасть можно было только по приглашениям. «Приветливые» фигуры охранников «держат» многослойную оборону входа. Пропуск обязателен. Первые посетители Салона – строго определены, и исключений тут быть не может.Бомондную тусовку на Большом антикварном салоне посетил Иосиф Кобзон. С сегодняшнего дня вход на Салон, который продлится до 14 сентября – так сказать свободный. Цена билета – 50 грн. Для льготных категорий (пенсионеры, студенты) – 20 грн. Но вернемся к вчерашнему бомонду. Под звуки классической музыки в холле «Украинского дома» изысканная публика «приценивалась» к выставленному на обозрение добру. А посмотреть есть на что. Первый этаж выделили под экспозицию «Парижская школа». Под этим названием искусствоведы объединяют имена художников, которые в 1915-1930 гг. жили в Париже (чаще всего в районе Монпарнаса и Монмартра) и создавали искусство в абсолютно новом духе.Стараниями коллекционеров Игоря Воронова (известного бизнесмена) и Александра Фельдмана (народного депутата от БЮТ) в Украине впервые увидели произведения титанов того времени. Тут вам и скульптура от легендарных Пабло Пикассо, Амадео Модильяни, Костянтина Бранкузи, Альберто Джакометти, Осипа Цадкина, Жака Липшица, Ханны Орловой, Мане-Каца. Не обошлось и без работ «украинского Пикассо» – Александра Архипенко.Осип Цаткин. «Портрет с руками».Восстанавливая историческую справедливость, в «Украинском доме» выставили произведения других украинцев, которые в 20-30-е годы прошлого века жилы и творили в Париже. Возле произведений Хаима Сутина и Марка Шагала красуются полотна Николая Глущенко, Олексы Грищенко, Василя Хмелюка. Василий Хмелюк. «Букет в белой вазе», 1956 г.«Произведения украинских художников сегодня резко растут в цене, – рассказал на пресс-конференции коллекционер Игорь Пономарчук (напомним, что он также основатель частного музея на Десятинной в Киеве «Духовні скарби України»), – в частности на мировых аукционах очень ценятся произведения Глущенко. Совсем недавно одну из его картин продали за $286 тыс. И это только начало».С ростом цен на произведения наших соотечественников, растет и другой показатель – количество подделок. «Сегодня стало модным подделывать произведения Шишко, – рассказал «ПіК України» издатель журнала «Українське мистецтво» Виктор Хоменко, – приблизительно 2/3 произведений этого художника, появляющихся на рынке, – подделка».За подлинность не отвечаютНо подделывают не только украинцев. «Сегодня на рынке гигантское количество подделок, – констатирует коллекционер Леонид Комский, – однако наши коллекционеры стараются любой ценой избежать попадания на эту удочку: проводят необходимую экспертизу. Они должны быть уверенны в том, что владеют действительно ценными вещами. Ведь, когда они решат их перепродать, подделка может обнаружиться, и тогда все обернется не в их пользу».Особенно деликатным вопрос оригинальности работы становится, когда касается бронзовой скульптуры или графики. Ведь с одной и той же формы отливают многочисленные копии (только первые считаются авторскими, все остальные – уже тиражные), а с одного и того же литографического камня можно сделать сотни копий (идет речь только о возрасте оттиска и его порядковом номере среди других копий).«Я очень сомневаюсь в том, что все выставлены работы (что касается скульптуры) – оригиналы, – говорит художник Тиберий Сильваши. – Не сомневаюсь только в подлинности Джакометти. Все остальные могут быть и оттиражированными. Хотя, принимая во внимание уровень их владельцев, могу предположить что 60% здесь – все-таки оригиналы».Заведующий отдела западного искусства Музея западного и восточного искусства имени Варвары и Богдана Ханенко Елена Живкова не берется утверждать оригинальность или поддельность работ. «Все это очень сомнительно, – считает она, – и я чаще всего не соглашаюсь на предложения антикварных галерей, когда они предлагают «продиагностировать» очередного «Дали». По мнению Виктора Хоменко, от публичного показа подделка не просто не рискует, но и значительно выигрывает. «Внесенная в каталоги, подделка легитимизуется. Да и кто будет катить бочку на известных коллекционеров», – говорит издатель.Выпить за здоровье галеристов«А что там дальше интересного?», – интересуется один фотограф у другого. «Пойди на второй этаж, глянь на шахматы», – советует ему коллега. Второй этаж – обитель галерей. Представлено их здесь около сорока, при чем 2/3 – с киевской пропиской. «Во Львове или Одессе давно нет ничего, что бы составляло какую-то ценность, – считает Игорь Пономарчук. – Тамошним галеристам нечего сюда везти, им это не выгодно».В целом картина мало привлекательная. Салоны и галереи вынесли на обозрение и «приценку» многое из того, чем они торгуют ежедневно. Здесь картины, мебель, кухонные приборы, лампы. Последние широко используются, освещая маленькие стенды-ограждения-псевдокомнатки.Марк Шагал. «Пара» и «Мексиканский пейзаж».Популярное развлечение в этой части Салона – посидеть на антикварных диванчиках, многие из которых выглядят не столь старинными, сколь состаренными. К антикварным книгам подходят мало. За антикварными столами сидят почетные клиенты галерей и пьют за здоровье галеристов.Один из антикварных салонов занимает целый зал, который, как правило, используется для презентаций (такой чести удостоилась галерея «Эпоха антиквариат»). Здесь и стоят легендарные шахматы. Сделанные из слоновой кости (?), фигуры выглядят изумительно реалистично. Вздыбленные кони, воины, король. Все это в окружении фарфора, старинных часов и истоптанного коврика.Чудесные шахматы - радость антиквара.Деревянные тени забытых предков Напротив – еще один зал. Именно сюда направил меня Тиберий Сильваши со словами: «Выходя с первого этажа, я начинаю ненавидеть живопись вообще и Парижскую школу в частности, настолько здесь все вторично. По-настоящему ценно только одно – деревянная скульптура на втором этаже».Экспозицию народной и профессиональной деревянной скульптуры курирует Павел Гудимов («Я-галерея»). На этот раз ему удалось совместить собственную коллекцию и коллекцию Президента Украины Виктора Ющенко. «Мы горды тем, что Президент лично отобрал для выставки 16 экспонатов своей коллекции», – хвасталась на пресс-конференции директор «Украинского дома» Наталья Заболотная.Собранная на Салоне скульптура – творение рук западноукраинских и волынских мастеров ХVIII-XIX вв. В темно-синем зале, где их разместили, пахнет настоящей древностью и настоящей тайной старины. «Спаситель», Винницкая обл., ХІХ в., коллекция музея Ивана Гончара.Посеревшие от времени, резные скульптуры становятся будто ближе, роднее, почти теплыми. Лики святых – очень разные, но всех их объединяет таинственное очарование, проступающее из трещин в обработанном дереве, проходящее через облупившуюся местами краску. «Созданию их неповторимого образа особенно способствовало время», – убежден Гудимов.Павел Гудимов сформировал свою экспозицию в частности из экспонатов коллекции Президента Украины.На вчерашнем открытии посетители этот зал не слишком чтили своим вниманием. Вся тусовка концентрировалась в центральном холле. И в церковный покой деревянных Богородиц и ангелов никто не спешил. Меж тем, только здесь, кажется, можно найти вещи с настоящими человеческими историями. Например, одно из распятий принадлежит Сергею Якутовичу. Художник случайно натолкнулся на него во время съемок «Тінів забутих предків». С тех пор художник не расставался с гуцульской святыней.А вот пара ангелов, которая сейчас принадлежит Павлу Гудимову и еще совсем недавно входила в его проект «Суміш», раньше валялась на чердаке. «Они пролежали там неизвестно сколько времени – всегда вдвоем. А когда я натолкнулся на них, они были как новые, только немного пахли старостью», – рассказывает куратор выставки.Сегодня старинная скульптура – редкость как и старые иконы. Еще совсем недавно их эшелонами вывозили за границу. Теперь вернуть раритеты в Украину довольно сложно. Антиквары жалуются на «нечеловеческое» законодательство: ввоз и вывез антиквариата на территории Украины облагается пошлиной в размере 25% от стоимости предметов.События, подобные Большому скульптурному салону, должны были бы расшевелить власть предержащих, а следовательно и рынок антиквариата. «Нам крайне необходимы такие события, – убеждена Елена Живкова, – так мы выйдем на мировой уровень. Сейчас у нас все запущено. Но мы будем косить свой газон. Если придется косить его 300 лет, будем косить 300 лет».Ну что же, украинским гражданам не впервой бороться с бюрократической государственной машиной. Остается надеяться, что антиквары смогут пролоббировать нужные законы с помощью влиятельных любителей искусства, многие из которых находятся там, где эти законы создаются. Единственное – чтоб эти акты были на пользу не только частным коллекционерам, но и крупным государственным собраниям, то есть музеям. Резюмируя увиденное на Большом антикварном салоне, можно сказать, что антиквариат в Украине наконец вышел из закрытых маленьких подвальчиков на большие открытые территории. И ценнее всего, что сегодня есть на украинском антикварном рынке – работы наших соотечественников, которые вместе с признанными именами творили мировое искусство.фото: Саша ЕремееевОльга Куровец, «ПіК України»http://pik.org.ua/news/2008/9/3/219380.htmАртWed, 03 Sep 2008 09:03:00 +0300Чего мы ждем от Вены? Позолоты, шоколада, Моцарта и Климта. Все с размахом и помпой. Неожиданно совсем другое – на фотографиях Герхардта Трумлера, экспонирующихся в Киеве.Из аэропорта – на Афон71-летнего Герхарда Трумлера на родине знают как автора известного и плодовитого. В 32 года он оставил должность авиадиспетчера в венском аэропорту – и понеслось. Сначала работа в рекламе, позже – должность личного фотографа канцлера и президента Австрийской республики.Однако съемки высокопоставленных особ, приемов и переговоров – не совсем то, о чем мечтал бывший авиадиспетчер. Трумлера интересовали люди. Простые австрийцы, которых он ежедневно встречал на улицах: без ретуши и глянцевых улыбок. А еще архитектура – не совсем такая, какой она выглядит в путеводителях. Дедушка и бабушка. Портрет извозчика. Впрочем, хрестоматийная, «путеводительная» Австрия – это тоже дело рук (или объектива) Трумлера. Два года назад его стараниями увидели свет пять томов, посвященных культурным достопримечательностям Австрии. И это еще цветочки – за тридцать лет фотографической карьеры он издал более, 160 книг и 200 каталогов, посвященных красотам Австрии. Трумлеровские снимки австрийских ландшафтов уже поставили на один уровень с классикой. Его серии «Старые железнодорожные станции», «Гранит» и «Хрусталь» еще при жизни автора стали частью экспозиции Венского художественного музея.Ратуша в Вене. Башни пивоварных заводов. Лестница Анагассе. Шенбрунн – летняя резиденция Габсбургов, вид сквозь лавку. Труды фотографа не раз отмечали самыми разными наградами. Его альбомы восемь раз подряд удостаивались титула «Лучшая книга года» у себя на родине. Да и за рубежом имя фотографа на слуху уже не один год. Президент Республики Афонских Монахов (есть такая автономная республика в Греции) отметил его фолиант «Афон – священная гора», назвав его самой красивой книгой ХХ в. о священной горе Афон. Не остались без внимания и книги, посвященные Праге («Город между Големом, Кафкой и Швейком»), Нью-Йорка («Две минуты езды от Манхеттена») и Венеции («Родиться где угодно, умереть в Венеции»). «Вена – моя любовь»Часть из созданного Герхардом Трумлером за долгую творческую карьеру выставляют сегодня в киевской галерее Bottega. Как знать, может, если б не ретроспективность выставки, она не была бы такой близкой и родной украинскому зрителю. А так – все, как у нас: старушки в поношенной одежде, трещинки на древних стенах и даже металлическое ведро на лестничной клетке. Чего-чего, а такого от выставки «Вена – моя любовь» не ждешь. Ведро на ступеньках лестницы старинного дома периода грюндерства. После ужасающих событий холокоста небольшая еврейская община вновь поселилась в Вене. Правду говоря, это даже радует. Поскольку, как бы то ни было, но «вылизанные» снимки обязательных для посещения «точек осмотра» уже сильно набили оскомину. Фотографии Трумлера позволяют взглянуть на австрийскую столицу с альтернативной точки зрения. С такой точки зрения не виден оперный театр, собор Штефандом и павильон Сецесьон, зато видны мелочи среди этого величия, например, обычный снег на могиле Моцарта. Памятник ерцгерцогу Альберту Саксен-Тешенскому, основателю знаменитой коллекции Альбертина. Площадь Гельденплятц с памятником Карлу, победителю битвы при Асперне против Наполеона. Трумлер не настроен создавать образ великой столицы, идеализировать или возвышать родной город. Напротив – он любит его за ординарность, за возможность чувствовать себя везде как дома. Он прощает Вене непредсказуемость ее жителей и неубранность внутренних двориков. Раковина в старом доме в Вене. В городе Трумлера жить приятно. Тут запросто можно спать, положив ноги на подоконник. А можно просто слоняться, изучая его закоулки. И пусть для вас не станет сюрпризом, если в этом городе вы встретите свой город – столкнувшись взглядом со старинной кариатидой или соседским котом. Женская скульптура.Сходство Вены и Украины для Трумлера – не случайность. А вот в том, что на Михайловской, 22 сегодня можно столкнуться лицом к лицу с его взглядом на австрийскую столицу – значительная доля случая. Этим летом фотограф запланировал съемки бывших австрийских земель – нашей Галичины. Вот так киевским галеристам предоставился случай выставить у себя известного автора. Результаты работы Трумлера в Украине не заставят долго ждать – уже скоро выйдет немецкоязычная книга о писателе Йозефе Роте (родился на Галичине) с его фотографиями. Вероятно, это не последняя серия автора из наших краев. Осмотреть выставку «Вена – моя любовь» можно до 11 сентября.Фото: bottega-gallery.comОльга Куровец, «ПіК України»http://pik.org.ua/news/2008/8/28/219082.htmАртThu, 28 Aug 2008 17:58:00 +0300«ПіК України» побывал на закрытом показе произведений Дали, Шагала и Лота. С 4 сентября их выставят в рамках Большого антикварного салона в «Украинском доме». Но есть сомнения в аутентичности работ.Галерея «Боско» на улице Ольгинский, около самого театра Франко, – одно из крупнейших заведений своего профиля. Здесь негде яблоку упасть между антикварными диванчиками, подсвечниками и ложечками. На стенах, как и положено – картины, начиная от стилизаций под Тициана до самых настоящих Алексея Шовкуненко и Василия Кричевского. А незадолго до Большого антикварного салона владельцы «Боско» решили повысить собственные рейтинги и поднять квоту доверия потенциальных клиентов. Поэтому, взяли да и выставили работы Андре Лота, Марка Шагала и Сальвадора Дали. Наталия Лисенко представляет будущие экспонаты Большого антикварного салона.Рассматриваем две литографии Шагала - «Мексиканский пейзаж» и «Пара».От подобной информации не трудно надолго утратить душевный покой. В Украине «живого» Дали и Лота еще не видели. Шагал, правда, был – в прошлом году его произведения выставляли в Харькове. Да и в этом году в Киеве уже видели одну картину авангардиста – в рамках выставки от Sothebey’s в Музее западного и восточного искусства имени Варвары и Богдана Ханенко. А тут – целых пять произведений: кубистическое полотно Андре Лота («Портрет», 1944), от Дали – литография («Коррида») и гравюра («Флоренция. Пейзаж») и две литографии Шагала («Мексиканский пейзаж», «Пара»). Кто же привез такую ценность в Украину? В «Боско» имена не называют. Владелица галереи Наталия Лысенко утверждает, что произведения для показа предоставили частные коллекционеры. Для общественности они остались инкогнито. Сальвадор Дали – литография «Коррида». Гравюра Дали - «Флоренция. Пейзаж». Марк Шагал - «Пара».Единственная из представленных работ - живописная картина: Андре Лот, «Портрет», 1944. Марк Шагал - «Мексиканский пейзаж».Единственная информация, которой поделились в «Боско», что из двух коллекционеров, которые предоставили художественные произведения, ни один – не Игорь Воронов (в этом году бизнесмен «засветился» на Скульптурном салоне, показав собственную коллекцию Огюста Родена и Александра Архипенко). «Воронов – достаточно публичная личность, чтобы не скрывать свое имя», – держа интригу, отметила Наталия Лысенко. Неизвестными остались не только имена владельцев. В «Боско» молчат и о том, как работы такого уровня попали в Украину. Между тем, антиквары как никто иной знают о трудностях ввоза и вывоза культурных ценностей (в частности, антиквариата) через украинскую границу. Туманной остается и подлинность выставленных произведений. На вопрос «ПіК України» об экспертизе произведений, Наталия Лысенко показала ксерокопию сертификата на «Портрет» Андре Лота, подписанного парижскими экспертами. Документацию на другие произведения в «Боско» показывать не пожелали. «Вы просите нас разгласить закрытую информацию», – говорят здесь. Наталия Лисенко рассказывает о «шагаловской бумаге с авторскими водяными знаками».Такой подход к делу – по меньшей мере странен. Анонимность владельцев понять еще можно. А вот то, что ответ на вопрос о подлинности работ такого уровня не дается, – не может не насторожить. Тем более, что вопрос атрибуции графики имеет свои особенности в сравнении с живописью. «Каждая литография или гравюра имеет собственный номер, – рассказала «ПіК України» искусствовед Ольга Петрова. – Его указывают в левом нижнем углу работы: порядковый номер оттиска и через косую черточку общее количество оттисков. Авторскими считаются только первые 15. Все последующие – тиражные и ценятся гораздо меньше». В левых нижних углах четырех графических работ, представленных в «Боско», красуются такие цифры: 227/300 («Мексиканский пейзаж», Марк Шагал), 227/300 («Пара», Марк Шагал), 121/250 («Коррида», Сальвадор Дали), 163/250 («Флоренция. Пейзаж», Сальвадор Дали). Как видно, первая цифра во всех четыре произведений несколько больше, чем 15. Впрочем, с выводами лучше не спешить, ввиду всех аргументов владельцев «Боско» и их заверений о «шагаловской бумаге с авторскими водяными знаками». В конечном итоге, и 225-й оттиск делался с основы, на которую, весьма возможно, собственной рукой наносили рисунки Дали и Шагал. Удивляет еще одно – рядом с достойно оформленной в раму картиной Лота (ее подлинность почему-то принимается на веру) работы Шагала и Дали вызывают чуть не слезы сочувствия. Для показа прессе их вытащили из паспарту и пришпилили к фанере канцелярскими кнопками. От такого обращения не у одного искусствофила замерло бы в груди. Красиво оформленный Лот......и «пришпиленный» Шагал.Остается надеяться, что к началу Большого антикварного салона «бесценным» произведениям все-таки найдут какую-нибудь одежку. И достойное алиби. фото: Саша ЕремеевОльга Куровец, «ПіК України»http://pik.org.ua/news/2008/8/20/218454.htmАртWed, 20 Aug 2008 14:30:00 +0300«Я-Галерея» – средоточение эгоизма от современного искусства – опять провоцирует. Теперь ее куратор Павел Гудимов разрушает музейные экспозиции и собирается заняться народной деревянной скульптурой.Убить структуру Немного найдется тех, кто способен с искренним энтузиазмом часами блуждать по музейным залам: осматривать, восхищаться, удивляться. И дело тут вовсе не в том, что музеефилов в Украине все меньше. И даже не в том, что интересные выставки открывают далеко не каждый день. Украинский музыкант, а заодно – новоявленный художественный куратор Павел Гудимов знает причину. По его мнению, скучно в музее становится из-за его структурированности. Картины, скульптура, прочие произведения искусства выставляют по давно придуманной схемой, которая не меняется веками. По этой схеме, вместе экспонируют картины одного художника или одного периода, плакаты одного режима, скульптуру одного канона. Между тем, современное искусство привлекает такие артефакты, которые не подходят под устоявшиеся рамки. По словам Гудимова, при таких условиях «под бульдозер попадает много вещей, не подлежащих никакой классификации». К тому же, если думать в первую очередь о последовательности жанров, стилей и имен, то такой подход исключает заинтересованность темой: «Когда теряется тема – теряется живая заинтересованность в предмете. Музей становится больше похожим на хранилище, чем на «храм искусства», – убеждены в «Я-Галерея». С такими мыслями Павел Гудимов обошел не один европейский музей. И заметил – здесь осваивается новая система экспонирования. Дизайнерские кресла показывают рядом с советской графикой, полотна абстрактного экспрессионизма – возле народного искусства. «Последней каплей стала нынешняя выставка Traces du Sacre в парижском художественном центре Pompidou, – делится Гудимов, – австрийская пейзажная живопись здесь замечательно чувствовала себя рядом с работами Демиена Херста, а видео с перформенса Марии Абрамович – с графикой Бакста». Субъективный художественный тоталитаризм Вот так и возникла идея «Суміші» – новой выставки, которая проходит в «Я-Галерея». Экспонаты подбирал сам Гудимов, темы, по которым они объединены, определял также он. В результате, получился некий субъективный художественный тоталитаризм. Впрочем, никто не мешает зрителю самостоятельно сгруппировать и установить связи между выставленными здесь артефактами.Одно из составляющих «Суміші»: обложки журнала «СССР на стройке», 1930-31 гг.А это – пластмассовая советская лошадка на веревочке, картины современных украинских художников, обложки к пластинкам авторства Энди Уорхола, картина Теодора Прыймака, банкноты, разработанные Альфонсом Мухой и Георгием Нарбутом, украинская деревянная скульптура ХІХ в., немецкие открытки и многое другое. Все это добро куратор распределил по нескольким темам: «Власть», «Деньги», «Детство», «Материал, фактура, разрушение». Вышло интересно и не без иронии. Идешь по галерее и ловишь себя на мысли, что здесь как дома: много всего родного, из всех времен и мест. И в самом деле – многие экспонаты «Суміші» хранятся непосредственно в помещении Гудимова. Другие – в офисе. А еще какая-то часть (в частности, серия «Деньги» Олега Тистола) – собственность его друзей. «Эта советская игрушка – пластмассовая лошадка – долго стояла у меня в офисе. Одни из тех, кто приходят ко мне, вспоминают, что у них были такие же, другие – только мечтали о такой лошадке. Это же просто квинтэссенция детства советской эпохи! Он никого не оставляет безразличным! А в искусстве это главное – эмоция!» – поделился Гудимов во время мастер-класса, посвященному курированию выставок современного искусства. Лошадка. Пластмассовая игрушка. 1970-ые гг.Вот так, одна за другой, подбирались вещи, которые, по субъективному мнению куратора, можно совместить. Объединяющим элементом выступает как определенная тема, так и, скажем, отдельная эмоция. «Взгляните на эту немецкую послевоенную открытку, – проводит экскурсию Гудимов, – девочка с вампирским выражением лица сжимает в руках игрушечного кролика. Подобная «ядовитость» проступает и в картинах Влады Ралко – поэтому они рядом». Почтовая открытка. Германия, 1960-ые гг.Влада Ралко. Из серии «Шкільна цигейка», 2003.Здесь же – произведения двух современников и почти земляков: звезды мирового поп-арта Энди Уорхола (обложка к пластинке Emotions In Motion Билли Скваера) и народного художника Теодора Прыймака («Портрет мальчика»). На другой стене – карбованцы и гривни, созданные выдающимся украинским графиком Георгием Нарбутом, и чешские деньги, «нарисованные» славным Альфонсом Мухой. Пластинка Emotions In Motion, 1982. Обложка Энди Уорхола.100 карбованцев. УНР. Автор - Григорий Нарбут, 1918 г.А еще – между советскими плакатами, современными полотнами и обложками раритетов журнала «СССР на стройке» – образцы народной деревянной скульптуры и иконы на металле. «Народное искусство – самое актуальное из всего, что может быть. Думаю, что мы только начинаем открывать его потенциал для современного искусства», – убежден Гудимов. Кстати, на сентябрьском антикварном салоне в «Украинском доме» он выступает куратором отдела народной скульптуры. Фигуры вертепа. Роспись по металлу. Западная Украина, ХІХ в.Ангел. Народная деревянная скульптура, Западная Украина, кон. ХІХ в.При осмотре выставки в «Я-Галерея» приходит в голову, что Павел Гудимов имеет полное право на орден Почетного смесителя от искусства. И довольно смелого человека. Ведь собственные смеси существуют у каждого, и вещь это очень интимная. «Суміш» по-гудимовски «Я-Галерея» представляет на ул. Волосской, 55/57 до 30 августа.Свидетель Иеговы. Плакат. СССР.Теодор Прыймак. «Портрет мальчика». 1960-ті рр.Тарас Скрентович. «Красная площадь», 2005.Фото: Ольга КуровецОльга Куровец, «ПіК України»http://pik.org.ua/news/2008/8/12/217803.htmАртTue, 12 Aug 2008 13:16:00 +0300Николай Кривенко – один из героев украинской арт-среды начала 1990-х. Также он – один из «Живописного заповедника». Галерея Bottega предлагает собрать целый пазл этого художественного объединения.«Живописный заповедник» – сегодня уже хрестоматийное художественное объединение в составе пяти художников: Тиберия Сильваши, Анатолия Криволапа, Александра Животкова, Марка Гейко, Александра Бабака и Николая Кривенко. Они успешно выставлялись в начале 1990-х: тогда их работы воспринимались как долгожданный взрыв свободного творчества, не зашоренного никакими идеологическими требованиями. Сегодня «Живописный заповедник» – это уже художественный бренд, из тех, которым верят, не проверяя. Не удивительно, что «Живописный заповедник» стал одним из козырей галереи Bottega – сравнительно нового арт-центра (заметьте, открылся всего полгода назад), где сегодня собирается самая отборная художественная тусовка. Из «живописной» пятерки на Михайловской, 22б (адрес галереи) пока что не выставлялись двое: Марко Гейко и Александр Бабак. Но всем понятно – Bottega не остановится на начатом, и скоро киевская публика наверняка сможет созерцать их произведения. Выставка Николая Кривенко в таком случае была если не ожидаемой, то предполагаемой. «Самый медитативный» художник «Заповедника» превратил три зала галереи в подобие палеолитической пещеры, где время не просто идет, а налагается слоями: не жирными отпечатками, а некими тончайшими тенями. В экспозиции – акварели, гуаши, коллажи, а также скульптура от Николая Кривенко. Все складывается в пространство пастельных тонов: цвет то ли песка, то ли скалы, то ли степи. В этой среде, разукрашенной деревянными болванчиками, Кривенко кажется спокойным и углубленным язычником, которому безразличны современное бурление и вездесущие социальные проблемы. Его живопись очень легка. Здесь нет нарочитой многослойности и знаменитой фактурности, так привлекающих его побратимов по цеху. Коричнево-бежевые картины скорее напоминают тонированное стекло или воздух в пустыне – с непременными следами тех, кто касался его до нас. Творчество Кривенко – о времени и странствиях. О времени в странствиях и странствиях во времени. Такими временными странствиями – но уже в другом измерении и пространстве – является серия коллажей из подборки журналов «Нива» за 1904 год. Раритеты художник отыскал в забытой дедовой коллекции. Кривенко слой за слоем создает портрет Киева и Российской империи начала прошлого века. Что читали, чего боялись, чем интересовались и от чего лечились – все на бумажных лоскутках рекламы типа «Нестле. Детская молочная мука» или «Профессиональные курсы для образованных женщин»... Как видно из выставки, Николай Кривенко умеет говорить на разных языках: от доисторического звуковоспроизводящего ряда до звучного рекламного речитатива. Распознать все остальные попробуйте сами – такая возможность есть до 21 августа. Фото: галерея BottegaОльга Куровец, «ПіК України»http://pik.org.ua/news/2008/8/3/217165.htmАртSun, 03 Aug 2008 11:19:00 +0300Пока киевские автомобили загрязняют столичный воздух, в арт-центре «Я–галерея» проводят выставку экологического плаката и раздают экологически чистые сумки.Художники с чернобыльским именем Основу выставки Ecopoint составили экоплакаты международного триенале «4-й Блок». Участники из Украины, Ирана, Кореи, Финляндии, Китая, России откликнулись на инициативу харьковской ассоциации дизайнеров-графиков «4-й Блок». Результаты – на стенах «Я–галереи». Ecopoint – событие не столько художественной, сколько общественной жизни. Это тот случай, когда художники сознательно отказались от популярного еще с начала прошлого века лозунга «L’art pour l’art» («Искусство для искусства») и решили действовать. «Еще совсем недавно все говорили об «озоновой дыре», как о чем-то далеком, «где-то над Антарктидой», – рассказывает основатель «4-го Блока» художник Олег Векленко, – и считали опасность весьма призрачной. В настоящий момент угроза глобального потепления стала значительно более ощутимой и более реальной. Следовательно, у человечества есть два пути: изменить мировоззрение на локальном уровне или оставить все как есть, и позволить планете превращаться в «черную дыру»». «4-й Блок» – название не случайное. Это словосочетание стало для мира синонимом крупнейшей атомной катастрофы: именно 4-й энергоблок Чернобыльской АЭС взорвался в ночь на 26 апреля 1986 года. Олег Векленко, основатель Ассоциации, профессор Харьковской государственной академии дизайна и искусств, в 1986 году был в числе ликвидаторов. Поэтому, его идея организовать международный фестиваль плаката и графики «4-й блок» – не просто модная художественная прихоть. В нынешней экспозиции – как острые, так и посредственные работы, повторенные из давно усвоенного, и довольно неординарные. Всего понемногу. Впрочем, обвинять экоплакаты в отсутствии яркой новизны – все равно, что пробовать научить старую псину новым трюкам. Ведь темы давно известны, а жанр давно затерт. Найти здесь хоть маленькие зазоры для широкой дизайнерской мысли – уже неординарный подвиг. На самую актуальную для своей страны экотему высказался иранец Фатеме Каркехабади. «How many years to make the oil again?» – спрашивает он. «Create а blue sky for your children!» – призывает надпись на плакате с изображением вывязанного на спицах голубого полотнища с облаками. Это уже от другого иранца – Париса Ташакори. А вот для финнов острейше стоит вопрос сохранения фауны. «Polluted air heats the climate and effects the coloration of butterflies, ultimately turning them black», – предупреждает Луаре Пекка. Как всегда в таких случаях, на выставке присутствует много черного цвета. Черная земля – на плакате «Stop Pollution Now!» Ау Так-Шингт из Гонконга. Черная плоскость – для определение последствий Чернобыльской катастрофы – у Пан Кина из Китая. Надеяться, что плакати кардинально изменят отношение рядового украинца к окружающей среде – по меньшей мере наивно. Тем более что поколение, верившее плакатному жанру и предсказуемо реагировавшие на агитационный тон уже перевелось. Остается надеяться, что несколько сотен посетителей художественной галереи все-таки заразятся распространенным здесь вирусом экологического сознания и сумеют заразить им других. Павел Гудимов и Каша Сальцова – за чистую окружающую среду Эковопросы сегодня волнуют не только специалистов-экологов, но и известных людей. Для современных украинских «звезд» экология начинает становиться делом чести. Алена Винницкая будет вести передачу, посвященную охране окружающей среды, Каша Сальцова (вокалиста группы «Крошка Цахес») – будет читать еколекции в школах. Кроме того, солистка «Крошки» положила началу программу «Сумка – природе». «Если вы посещаете супермаркет в среднем три-четыре раза в неделю и каждый раз покупаете на кассе пластиковый кулек, чтоб взять покупки с собой, то в течение года вы приносите домой приблизительно 160 пакетов. – Отмечается на сайте проекта. – Мы призываем вас не брать нового кулька на кассе, а пользоваться для покупок многоразовыми хозяйственными сумками или приходить в магазин с собственным пакетом...» Экосумки можно не только купить, но и получить просто так на всевозможных импрезах. Например, на открытии выставки Ecopoint в арт-центре Павла Гудимова «Я–галерея». Такой шанс получили первые пятьдесят посетителей выставки экологического плаката.фото: Саша ЕремеевОльга Куровец, «ПіК України»http://pik.org.ua/news/2008/7/31/216967.htmАртThu, 31 Jul 2008 09:15:00 +0300Украинский ГОП-арт – стиль живописи. Его основатели – ныне покойный Николай Небылица (один из участников «Бульдозерной» выставки 1974 года) и его ученик Олег Синельник.Олег Синельник обретается почти в центре Чернигова, в небольшой двухкомнатной квартире. Вместе с мамой и сонмищем персонажей, которые, из-за нехватки места в комнате-мастерской, должны обживать пространства полотен, которыми увешены стены жилища. Ярко-шутовских живописных и готически выполненных графических работ. О житии-бытии стилеоснователся, а еще – героев его картин и пойдет у нас речь. – Как оно – чувствовать себя основателем, или сооснователем стиля?– Чувствовать себя основателем стиля – дело обоюдоострое. С одной стороны, это, конечно, одиночество, поскольку нескем поделиться, нет людей, думающих «на одной волне», в том же ключе работающих. С другой стороны, есть возможность достигать в рамках этого стиля все большего совершенства. – А как работается в условиях города, где так много всего, что отвлекает от любимого дела?– Так же, как и в степи, в пустыне. Каждое утро нужно подниматься, добывать себе еду и все такое прочее. Степь, пустыня, джунгли существуют сами по себе, а художник, попав в соответствующие условия – сам по себе. Просто нужно эти условия изучить, приспособиться, а дальше действовать, исходя из знаний, опыта.Рождественское утро– Насколько Вы и сейчас ученик Николая Небылицы? – Могу сказать точно, что период ученичества у меня не прерывается. К тому же, каждому, кто хочет идти серьезным путем в живописи (и не только) нужен мастер – специалист, который на путь истинный может направить. Для меня это мой покойный учитель, Николай Небылица. Я же у него специально уроков каких-то не брал. Приходил к нему, мы о чем-то говорили, иногда что-то употребляли (улыбается). Но он примером своим так влиял!.. Своими картинами, которые висели в мастерской. Настолько сильно это действовало, что я получил все необходимое для того, чтобы продолжать наше общее дело – ГОП-арт. Мамаева тантра– Кстати, кому именно принадлежит этот термин и когда он появился?– Ну, он общий. Появился в 1994 году. Мы вместе искали искусству этому название, которое отражало бы его украинскую сущность. Мне показалось, что слово «гоп», с одной стороны, довольно интернациональное, а с другой – украинское. У меня есть идея расшифровать эту аббревиатуру – чтобы не возникало ассоциаций с русским гоп-артом (этот термин они раскрывают как «искусство, созданное как бы гопниками»)– А что для Вас украинскость?– Прежде всего, это яркие краски, буйство цвета, цветовое разнообразие. Стремление к какому-то розыгрышу, эпатажу, абсурду, химерии даже. Безудержная фантазия, позволяющая в рамках какого-то бытового сюжета передать все возможные ассоциации. В этом мое искусство близко к традициям Гоголя и Булгакова. Кофе с табаком– Но все в этом мире чем-то уравновешивается. А чем уравновешивается упомянутая безудержность?– Философией. Кроме того – личностью самого Мастера. Я не контролирую образы, которые приходят ко мне. Я и не пытаюсь контролировать этот процесс. Как пришло, я и должен передать это во всех деталях. Я здесь – дешифровщик. Перевожу все с непонятного языка на понятный. Каждый может взглянуть и сделать свои выводы. – А как бы Вы охарактеризовали своего идеального зрителя.– Это человек с чувством юмора, мыслящий, к тому же, самостоятельно, нешаблонно. Это человек, стремящийся до всего дойти своим умом. Ведь мои картины не интерьерные. Они – для того, чтобы над ними думать, размышлять. Там много мелких деталей, которым я уделяю много внимания. И учитель на этом акцентировал. Я делаю картины так, чтоб их интересно было разглядывать. Чем дольше человек их разглядывает, тем больше у него возникает мыслей и ассоциаций, которые в конечном итоге побуждают задуматься о себе самом. А картина – просто повод.Чертова жена и ее любовники– Какие из персонажей Ваше альтер-эго? – Автор выражен и в шутах, и в котах, и в образах Мамая-любовника, и депутата, народного избранника. Все это в какой-то степени мои проекции. Просто у меня есть редкая возможность разыгрывать свой театр, буквально не сходя с кровати.– Какое бы определение из других видов искусства больше всего подошло бы Вашим работам? – То, что я делаю, – картины-анекдоты. Или современные украинские комиксы живописно-юмористическо-мистического плана.Выпьем?– То есть все соотносится с работами в жанре карикатуры?– На 100%, потому что я в карикатуре, более лаконичной как жанр, чем живопись, отражаю все, что меня волнует, что мне близко. Только более скупыми и более простыми средствами. Меня даже, когда в газетах наших работал, упрекали, что слишком перегружаю карикатуры образами, символикой, но мне, напротив, всегда казалось, что я мало туда вложил. Сейчас я понимаю, что замечания были уместны, учитывая запросы аудитории. «Простоты» мне таки не хватало.– А если попробовать очертить жизненное кредо настоящего мастера ГОП-арта?– Это еще в юношеские годы сделал мой учитель. Кстати, стихотворение его так и называется – «Мое кредо» (декламирует):Все минає.Все зникає.Божеволіють тверезі.Вмерла навіть Фенікс-птиця,Поіржавіли терези.Жебраки в кориті й принці,Сатурналії в мистецтві.Від панів тікають вівці.Мертві за ноги хапають.Скільки фікцій, комбінацій!Скільки фальшу та амбіцій!«Їжу з полотна не вкрасти» -В цьому кредо Небилиці…И в этом со своим Учителем я полностью солидарен.Дерево дураковДерево героевАнгелы, душа и телоДмитрий Мамчурhttp://pik.org.ua/news/2008/7/21/216268.htmАртMon, 21 Jul 2008 14:11:00 +0300Ее взгляды сформировались под воздействием режиссера Сергея Параджанова и переводчика-полиглота Григория Кочура. Сегодня абстракции Петровой можно увидеть в галерее Bottega.Для целого поколения художников, которые своим творчеством противостояли жестким императивам соцреализма, Ольга Петрова – не только коллега, но и адвокат. Когда в Украинской ССР и речи не могло быть о творчестве «неблагонадежных» художников, она публиковала статьи о них в более лояльном Петербурге. Так стали известными те, кого сегодня считают родоначальниками украинского нефигуратива времен украинской независимости. Совмещая две роли – художника и искусствоведа – Ольга Петрова работала над иллюстрациями к «Божественной комедии» Данте Алигьери. Плоды ее творчества сегодня есть среди достояний коллекции Британского музея. Уже осенью в издательстве «Факт» мир увидит итог ее работы многих лет – книга, посвященная Данте. «Реагировать на мнение посторонних – абсолютно неправильно»- Расскажите, пожалуйста, о концепции нынешней выставки. Чем она особенна?- Это ретроспективная выставка. Здесь представлены абстракции от начала 1990-х к картинам из последней серии «Восток-горизонталь». Это такой постмодернистский ход: рассыпаные структуры. Работы выбраны только по колористическому принципу. Но для того, чтобы красное не выглядело просто красным, я добавляю немножко розового, но, в целом, гамму выдерживаю. Все это должно подготовить зрителя к моей следующей выставке: уже осенью я покажу свою новую серию «Французская провинция» в Музее западного и восточного искусства имени Варвары и Богдана Ханенков. - Здесь важно собственное восприятие или восприятие зрителем?- Конечно, собственное. Реагировать на мнение посторонних – абсолютно неправильно. Не потому, что мы его презираем, а потому, что цвет непосредственно разговаривает с подсознанием. Стоит ли интересоваться реакцией чужого подсознания? Для чего? Чтобы знать, что у человека такая реакция, а не иная? Как художник я не могу этим воспользоваться, потому что его – это его, это очень личное.- А для чего тогда выставки?- Выставки делаются для того, чтобы люди увидели, чтобы тебя знали. Знали, что ты работаешь здесь. Художественный эффект и социокультурный – все это работает вместе. Но в конечном итоге ты переносишь свои работы в другую ситуацию для того, чтобы двигаться вперед. - Изменилось ли Ваше ощущение цвета с начала 1990-х, откуда «родом» самые ранние картины этой выставки?- Оно не может измениться, потому что оно заложено при рождении. Есть художники, которые, скажем, цвет не видят, им уютно в мягкой тональной гамме, они и так делают шедевры. Как Рембрандт: высокий мастер, который работал в очень ограниченной палитре. А вот Ван Гог – в такой экспрессивной, что его современники не могли понять, к чему это все. Это органика человека. У меня, скажем, развитие идет по линии техники, наработки каких-то приемов, чисто ремесленников. А относительно первичного восприятия цвета – я, закрыв глаза, вижу работу в цвете.«Дом Параджанова был культурологическим поездом»- Раньше Вы работали с графикой. В настоящий момент – нет. Почему?- Потому что я очень поздно пришла к живописи – в 1989 году… В 1960-х Василий Касиян написал обо мне в ЦК партии, в отдел прессы, что я сюрреалист, и что мне нельзя давать работы в Украине. Для меня тогда закрылись все издательства, и я начала заниматься самим искусствоведением. Выставляться я уже начала, когда вернулась из Москвы кандидатом наук, после окончания аспирантуры Института искусствоведения при Министерстве культуры СССР. Но потом… старые враги остались, новые добавились. Меня и в настоящий момент Союз художников не жалеет, но меня это не волнует. Они там толкутся, разворовывают имения, которые принадлежали всему Союзу, у них там свой коммунистический феодализм. Когда уже стало свободно выставляться, я вырвалась в большую живопись и начала писать. Цветом я занималась всегда: писала цветы, акварель, немного маслом. В начале 1990-х у меня была моя первая библейская серия: она имела большой успех, выставлялась в Украине, на персональной выставке в Вене, в Германии, в Лондоне. В настоящий момент живопись поглотила меня полностью. На графику даже времени не хватает. У меня же еще преподавание!- А кто преподавал у Вас в Москве?- В Институте искусствоведения собрались люди европейского уровня, которые постоянно ездили за границу: Чегодаев, мой руководитель, Прокофьев, Гершензон-Чегодаева, Ротенберг...Что касается украиники... Вообще, все началось с Григория Кочура. Как-то я пришла на танцы к младшему Кочуру и увидела этого старого... он стоит такой худенький, как японский монах... и жена его – с глазами Богоматери, и книги... - Вы в свое время много общались из Параджановим. Как вы познакомились?- Мой муж был архитектором. Он дружил с Мишей Сениным (архитектор, сын партийного деятеля Ивана Сенина; после одного из «разговоров» в Киевском КГБ, где его заставили написать донос на Параджанова, закончил жизнь самоубийством). Миша и привел нас с Юрой к Параджанову. Мне было где-то 22 года. Я была просто в шоке. Эта импровизационность, этот шарм, эти мудрые, насмешливы глаза, эта красота какая-то такая необычная, энергетика и постоянная игра, постоянные импровизации! Я приходила, садилась, раскрывала глаза и смотрела. Он был, как Господь Бог. Я почувствовала, как зверь, который знает, какую траву ему есть, что он меня раскрывает, раскрывает во мне меня самую. В это время они готовились к съемкам «Теней», туда постоянно приходила Лариса Кадочникова – невероятной красоты, Юра Ильенко, молодой Драч сидел на полу, вареники от мамы привозил. Сильвестров, Гриша Гавриленко – такая супер художественная тусовка. Его дом был культурологический поезд. Там было очень много людей, каждый раз по 15-20 человек. «Когда мы ездим, мы видим, что мы совсем не в грязи»- Вы считаете, что знакомство с Параджановым изменило что-то в Вас?- Он меня абсолютно раскрыл. В Союзе все было регламентировано, все по правилам. Он научил меня быть свободной, доверять себе, позволять себе свои поступки. Хоть в то время он не выделял меня как-то отдельно, не апеллировал ко мне. Отдельно для него я начала существовать, когда он после освобождения поехал в Тбилиси, и я приехала к нему. Меня и художника Николая Игнатова он не отпустил в ночь из дома – это было большое доверие – ведь он боялся оставаться сам. Помню, как в пять утра в маленькой комнатке со свечой он рассказывал нам, как его насиловали на тюремном дворе, а конвоиры специально отвернулись – так было запланировано. Врач, который работал в тюрьме, на вечере памяти рассказывал, что ему рекомендовали вместо инсулина (Параджанов был диабетиком) ввести ему жидкий гипс. Каждая тюрьма, в которую он приходил, встречала его словами «Живым Вы отсюда не выйдете». Он видел мои иллюстрации к Данте, ходил на представление «Щелкунчик» (Николай Лукаш всегда поправлял, что на украинском правильно «Лускачик»), к которому я делала декорации. В Тбилиси он спросил меня: «Ты привезла свои иллюстрации к Данте?!». Он помнил, пережив такое!.. ценил творческих людей. - Ваши последние серии – о путешествиях («Сестра Самурая», «Восток-горизонталь», «Французская провинция» (еще в мастерской)). Объясняется ли это тем, что именно странствия являются для Вас наилучшим источником вдохновения?- Это эффект нашего поколения, для которого были закрыты все границы. Мы ринулись странствовать, многие выехали вообще. Мне предлагали переезжать в Лондон, работать на BBC, создавали там для меня все условия, но я отказалась, потому что у меня была идея поднимать Украину. Хотя в настоящий момент она выглядит Украиной, я ее не оставляю. А странствия остаются. Нужно видеть мир –, чтобы больше ценить себя. Когда мы ездим, мы видим, что мы совсем не в грязи. Путешествия интересно показать людям, это такое очень своеобразное переживание мира. Когда я приезжаю туда, то говорю: «Неужели я хожу по Лондону, неужели могу поехать в Испанию без чьего-то присмотра?!». Это стресс нашего поколения. И, безусловно, источник возбуждения, эмоций. А пишу я уже здесь. И пишу не столько сюжеты, как решаю колористические, пространственные проблемы, то есть материал не имеет такого большого значения.фото: Ольга КуровецОльга Куровец, «ПіК України»http://pik.org.ua/news/2008/7/17/216055.htmАртThu, 17 Jul 2008 15:15:00 +0300В киевской «Я-Галерея» проходит выставка современной литовской графики. Стоит посмотреть, чтобы проникнуть в загадочную прибалтийскую душу.Выставка «Современная литовская графика» – часть украино-литовского проекта «4x4». Загадочная формула расшифровывается просто: как Украина, так и Литва должны представить по четыре выставки, в каждой из которых принимают участие по четыре художника или фотографа. Упомянутый проект – результат сотрудничества посольства Литовской Республики в Украине и арт-центра «Я-Галерея». Несколько месяцев назад в галерее уже выставлялись литовцы. То есть данная экспозиция – вторая из четырех запланированных. К слову, в настоящее время в Вильнюсе осуществляется параллельный проект украинских художников. С 16 июля по 1 августа проходит первая выставка украинских фотографов Анны Войтенко, Александра Ляпина, Геннадия Минченко и Александра Чекменева. Но вернемся в Украину. Итак, в небольшом помещении «Я-Галерея» представлено 36 эстампов. Литовскую графику презентуют четыре художника среднего поколения: Лида Дубаускене, Эгле Куцкайте, Эгле Вертелкайте и Бируте Зокайтите. Все они – выпускницы Вильнюсской академии художеств и на сегодняшний день являются одними из активнейших участниц художественной сцены литовской графики. Их работы уже получили достаточно наград на международных конкурсах.Лида Дубаускене. «Язык» (2006). Лиды Дубаускене «Язык» (2006). В выставленных в «Я-галерея» произведениях литовских художниц можно увидеть родственные мотивы. В частности, это темы женственности. Так, Бируте Зокайтите представляет образ обычной женщины: через повседневные мелочи художница пытается открыть ее красоту, а стереотипы – приземлить. В то же время Эгле Куцкайте изображает женщин в неудобных ситуациях, пытаясь опровергнуть установки в отношении их мнимой красоты. Образы здесь весьма различны и ассоциативны, а некоторые из них – как, в произведении «Нота» – заставляют вспомнить офорты «Каприччос» Франсиско Гойи. Едва ли не самый интересный экспонат выставки – «Литовская фольклорная песня» (2007) Эгле Вертелкайте. На пюпитре лежит нотный альбом. Но развернув его, видишь только нули и единицы. Так художница изобразила цифровую запись песни, которая длится 47 секунд. Другие работы Эгле Вертелкайте – плакатные полотна, напоминающие рекламные баннеры на веб-сайтах. Между горизонтальными линиями словно бы зашифрован текст – только единицы, ноли и смайлики. Кажется, что художница призывает нас читать между строк. Еще одна работа, которая вызывает интерес, – авторства Лиды Дубаускене «Язык» (2006). Большое, почти квадратное полотно (приблизительно 1,7м на 1,8м) насчитывает 1 368 квадратиков, каждый из которых рябит темными пятнами. Черно-белая мозаика похожа на плитку с отпечатками пальцев. Глядя на нее, сразу возникает мысль о проблеме самоидентификации. Возможно, «отпечаток» является метафорой к языку, уникальному семантическому коду народа.Украинский ответ на литовскую графику в Киеве запланирован на осень: с 4 по 22 ноября в Вильнюсе пройдет выставка Павла Макова, Николая Маценко, Влады Ралко и Станислава Волязловского.«Литовская фольклорная песня» (2007), Эгле Вертелкайте. Эгле Куцкайте.«Нота», Эгле Куцкайте.Эгле Куцкайте.Эгле Куцкайте.Фото: Елена ПавловаИрина Шарпинская